Fashion Hong Kong

年度亞洲焦點時裝盛事 CENTRESTAGE 2026，在「Rhythm of the Heart」的主題引領下，香港設計師們以敏銳的當代視角，將城市動態、自然永續、文化重構解構轉化為具體的服裝語言，展現本地時裝產業由傳統製造邁向文化輸出與美學哲思的嶄新里程。 香港時裝產業正經歷結構性變革，從生產導向轉型為文化輸出。2026 CENTRESTAGE 以「Rhythm of the Heart」為題，邀請四個入選 Fashion Hong Kong 的設計師品牌，透過各自的創作回應都市生活節奏，展示本地創意力量如何在全球舞台上發出真實的脈搏聲。 香港時裝產業的歷史軌跡，記錄了一場關於適應、蛻變與重塑的產業進程。20 世紀中葉的輕工業模式曾奠定城市貿易地位，但隨着全球供應鏈架構轉型，本地時裝生態早已超越了單純的代工邏輯。現今的創作核心，已轉向文化自主、工藝創新與哲學思辨。 年度時裝盛事 CENTRESTAGE 2026 以「Rhythm of the Heart」為主題，展現了行業更強的協同效應。作為 Fashion Hong Kong 重點呈現的四個設計師品牌——ANGUS TSUI、ARTY:ACTIVE、112 mountainyam 以及 Z I D I，彰顯了本地設計力量的多元面貌。 時裝在資訊碎片化的當下，成為個人與環境進行溝通的載體。Angus Tsui、Gary Tsang、Mountain Yam、Nathan Moy 四位設計師敏銳地捕捉到當下人們在高度連結環境下產生的情緒與真實渴求，透過新季系列作品，試圖回答如何在高速運轉的城市中，重新校準屬於人的心跳節奏。這份節奏，存在於面對恐懼時的心理防禦、運動後的汗水平衡、布料層次中的細膩考量，以及剝離社會標籤後的個體狀態之中。 以下，《VOGUE》Hong Kong 與這四位才華橫溢的設計師展開專訪，探索他們獨特的創作世界與設計哲學。

CENTRESTAGE 2026｜Fashion Hong Kong 聚焦：ANGUS TSUI、ARTY:ACTIVE、112 mountainyam、Z I D I——以設計探尋當代時裝的脈動

時裝界從不缺乏創意，但真正能將幽默、驚喜與設計邏輯融為一體的設計師卻寥寥無幾，而 Angus Tsui 自 2014 年創立同名品牌以來，持續證明着這條路徑的可行性。設計師 Angus 將可持續發展視為對現代人脆弱內心的深層療癒，品牌的發展歷程記錄了本地可持續時裝從初期的小眾嘗試，逐步演變為具備國際視野與完整供應鏈實踐的過程。Angus 亦推動教育慈善項目「ANCares」，透過工作坊與展覽，將可持續理念向業界與社區推廣。 對 Angus 而言，服裝的本質始終落在穿著者的內心狀態。現代人在虛擬與真實交錯的世界中，承受着無形的撕裂感與孤獨。他把這種內在壓力轉化為服裝語言，在標誌性的剪裁與構造中，展現對人類脆弱本質的包容。穿上這些服飾，人得以在不完美的狀態中獲得安心，獲得被看見的勇氣。這種將未來主義與人文關懷結合的視角，讓品牌在倫敦時裝週獲得國際關注，作品更獲韓國男團 Stray Kids 成員 Felix、Bang Chan 選穿於 MV 中，證明了香港前衛設計在國際流行文化中不可忽視的影響力。 ANGUS TSUI 即將發布的 2027 春夏系列「SS27 - 404: Ha Ha Haunting」，將探索視角從上一季「404: Safety Not Found」對數位生活失真與安全感缺失的討論，轉向 80 年代起盛行一時的香港恐怖電影文化。Angus 從《殭屍先生》、《鬼新娘》的功夫殭屍熱潮，到《東方三俠》、《原振俠與衛斯理》的邪典巫術，再到《回魂夜》、《我和殭屍有個約會》與《見鬼》的都市怪談中提取視覺符號。香港恐怖電影文化包容了傳統民俗與現代都市的不安，夾雜着極具港式特色的黑色幽默——一種在極度恐懼中依然能尋獲笑點的心理防禦機制。 在 2027 春夏系列的服裝結構上，Angus 將這些電影元素呈現為具有層次感的視覺敘事。荒誕而誇張的細節被重新組合，呈現出標誌性的繁複美學與解構工藝。服裝輪廓透過撕裂、縫合與結構性束縛，模擬心理機制中「恐懼喚醒警覺，而安全感移除後的釋放恰恰帶來快感」的多巴胺獎勵路徑。Angus 將服裝轉化為一座精神避難所，在壓抑與不安的當代環境中，建立起一種「又驚又想睇」的黑色幽默態度。 專訪 ANGUS TSUI 創意總監 Angus Tsui： VOGUE HK：ANGUS TSUI 向以未來主義美學著稱，但你的作品似乎從不只是關於未來，而是關於未來中的人。你希望受眾從你的設計中感受到怎樣的情感共鳴？ Angus Tsui：我的設計從來不只是關於未來——未來只是一個背景，一個能讓我們更清晰地觀看「人」自身的稜鏡。如果說我的作品有甚麼始終如一的核心，那是關於脆弱、掙扎，以及在高度連結的世界中那份難以名狀的孤獨。我想帶給受眾的，是一種「被理解的共鳴」。系列作品「404: Safety Not Found」正是對當下數位生活最誠實的註解——我們活在一個被「安全」承諾包圍的世界，然而每一次點擊都在暴露自己，安全從來就不存在。我透過撕裂、縫合、結構性束縛等「肉體恐怖」美學手法，將那種內在的撕裂感注入服裝的針腳與輪廓之中——被切割開的皮革露出紅色「血肉」，正是在呈現現代人在虛擬與真實之間承受的壓力與脆弱。我希望穿上這些衣服的人，能感受到一種「被看見」的安心——不是被看見完美的一面，而是被允許展現不完美、不安、甚至恐懼的那一面。正如我所相信的：我的設計從來不是關於衣服本身，而是關於穿著衣服的那個人。這種「超現實未來怪異美學」的背後，始終著眼於生物與環境，人類與自然的關係，而非冰冷的科幻距離感。 VOGUE HK：今年作品不僅登上倫敦時裝週，還獲得 Stray Kids 成員 Felix 與 Bang Chan 的演繹。當設計走出展場進入大眾視野，你如何看待前衛概念與流行文化的關係？ Angus Tsui：Stray Kids 成員 Felix 與 Bang Chan 在〈Run It〉MV 中穿上 ANGUS TSUI 的設計，對我而言意義非凡。這不僅是品牌十年風格積澱的印證，更證明了香港設計可以站上 K-pop 的全球舞台。整個合作的契機很自然，他們的造型團隊在倫敦時裝週注意到了「404: Safety Not Found」系列，認為其中探討科技與人性拉扯的概念，與 MV 的近未來世界觀不謀而合。 我從不為了被理解而簡化自己。對我來說，前衛與流行文化從來不是對立的。倫敦時裝週重視實驗與創新，而 K-pop 舞台則讓這些概念被更廣泛的群眾看見。品牌從「XenoFuturist」成衣系列開始，便將異形元素融入牛仔外套、西裝等單品，讓更多人能夠接觸到這種美學。我相信，真正有意義的議題——人的孤獨、對連結的渴望、對自由的嚮往，從來不會因為進入主流而失去力量，反而能在被更多人看見的過程中，產生更深遠的影響。 VOGUE HK：CENTRESTAGE 今年的主題是「Rhythm of the Heart」。對你而言，當科技、數據與演算法愈來愈主導生活，人類的「心」應該扮演甚麼角色？ Angus Tsui：這個主題恰好觸及了我一直在探索的核心命題。演算法與數據主導生活的當下，人與人之間反而出現了疏離和冰冷感。網絡發達讓我們容易接觸到各種事物，卻也使我們逐漸被掏空——我們在虛擬世界中打造人設，一旦人設崩壞，便陷入不安與焦慮，甚至害怕被見到最脆弱的一面。究竟哪一個才是真正的自己？ 我認為，人類的「心」應該是那面能夠辨識真實與虛假的濾鏡，也是在科技洪流中保護我們不被淹沒的錨點。 在「404: Safety Not Found」系列中，我以「肉體恐怖」呈現人類在科技下的脆弱——時尚成了一面防火牆，有時堅不可摧，有時卻悲劇性地透明。這不是失敗，而是一種美學：一個美麗卻令人不安的提醒，真正的安全感已經過時。但我不認為這是悲觀的。可持續時尚一直是我回應這個問題的方式，設計承載了創作美學之外的責任，教育消費者去重新審視消費行為。當科技讓我們越走越遠時，用心去感受、去選擇，去連結，是我們作為「人」最後、也最重要的堅持。正如我所說，真正觸動人心的議題——人的孤獨、對連結的渴望、在虛擬世界尋找真實自我的掙扎——這些不會過時，因為它們是我們持續探索的主題，也是設計最原始的驅動力。

ANGUS TSUI

由 Gary Tsang 於 2021 年創立的 ARTY:ACTIVE，代表了本地運動時尚領域的嶄新力量。Gary 將自己過去作為職業運動員、多媒體創作者及插畫師的多元歷程，轉化為品牌獨有的能量。對他而言，創作是一場永無止境的演化，多重身份讓其能捕捉都市人的真實需求。品牌透過具藝術感的印花與易於搭配的剪裁，鼓勵人們走出室內，在跑步、騎行的動態汗水中重建身體與心靈的連結。 在品牌經營上，Gary 堅持將可持續理念落實於研發、生產至包裝的完整環節。他認為環保是一種知行合一的承諾，品牌選用 100% 回收物料與可循環再用的包裝設計，引導消費者思考產品的多次穿著價值，體會都市發展與自然環境之間的共生關係。ARTY:ACTIVE 在亞太區拓展零售網絡，開設環保運動旗艦店，展現出本土運動品牌對環境永續的長遠承諾。 在即將發布的 2027 春夏系列「Messy Symphonic」中，ARTY:ACTIVE 將設計靈感對準香港夜幕降臨後的獨特景觀。香港擁有獨一無二的都市地理條件：高度密集的摩天大樓與茂密的山林步道往往僅有 5 分鐘的車程距離。系列以「Symphonic Friction」為設計主題，將傳統霓虹街道原始而渲染的光芒，與摩天大樓的玻璃外牆進行視覺碰撞。 風格演繹上，2027 春夏系列主打「Fragment Tech」，將高性能緊身服飾、戰術科技運動細節與解構風格的街頭裝束結合。設計採用升級改造的環保尼龍，搭配鋸齒狀幾何剪裁版型，並將帶有數位故障效果（Glitch）的字體融入印花之中。服裝具備高規格的運動防護與透氣性能，在視覺上呈現出香港城市節奏的碎片化美感，為穿梭於山海與高樓之間的人們提供了一套兼具美學與功能的終極配備。 專訪 ARTY:ACTIVE 創意總監 Gary Tsang： VOGUE HK：你擁有山地單車手、品牌顧問、跨媒體創作人、插畫家與時裝設計師等多重身份，這些經歷如何具體投射在 ARTY:ACTIVE 的設計語言中？ Gary Tsang：親友常戲稱我為一位「過度活躍症」的創作者。過往從職業運動員轉型為設計師與多媒體創作人的歷程，讓我積累了豐富的多重分身經驗。這些歷練，成為 ARTY:ACTIVE 品牌的核心養分，使品牌形象與設計風格得以保持高度的靈活度。創作是隨着個人生命演化而不斷進步的過程，保持對新鮮事物的敏銳度，讓產品更貼近市場及用家的考慮。 VOGUE HK：你常強調環保要貫穿從研發到包裝的整個生命週期。當「商業生產」與「對環境的最小干預」產生矛盾時，作為設計師，你是如何在開發過程中確立那條不可逾越的底線？你希望消費者透過產品，感受到對自然怎樣的責任感？ Gary Tsang：作為運動時尚設計師與品牌經營者，我時刻提醒自己，品牌對社會和自然的影響，絕對是核心考量。我一直認為，環保不能只是口號，我們在從生產到運輸的每一個環節，都竭力做到言行一致。我們希望客戶買我們產品時，不只看功能和美感，更明白背後的理念——例如產品設計我們強調多用途穿搭，連包裝都設計成可循環再用，讓這種環保意識真正延伸到消費者手中。坦白說，要在生產過程中堅持環保，成本確實是很大挑戰，但品牌若要長遠發展，這條路我們必須堅守。 VOGUE HK：運動本身就是最直接讓心跳加速的方式。結合 CENTRESTAGE 的「Rhythm of the Heart」主題，你希望透過品牌的健康運動生活方式，為現代人喚醒怎樣的生命力？ Gary Tsang：CENTRESTAGE 2026 的主題，其實相當貼近我們品牌的理念。我們一直希望能透過藝術感的圖案設計及產品，去吸引那些平時少運動、甚至不運動的城市人——當他們發現我們的產品既時尚又容易穿搭，自然會更有動力去嘗試跑步或騎行。這除了促進身心健康，更希望能藉此建立起一個運動社群，這就是我們一直想傳遞的「Artistic Sports lifestyle」訊息。我們不只是為專業運動員設計，我們的產品雖然具備競賽級規格，但同時非常適合日常生活或街頭休閒運動，將時尚與機能感完美結合。

ARTY:ACTIVE

112 mountainyam 創立於 2013 年，品牌核心圍繞設計師 Mountain Yam 對色彩的解讀。「112」取自 Pantone 112 號色，這種介於黃綠與大地色系之間的色彩，象徵着自然生命力與未來感的有機融合。Mountain 廣泛的旅行體驗讓其體會到，現代女性尋找真我的過程，建立於清晰的自我認知之上。他把這份對家鄉香港的情感注入縫線細節，讓服裝具備遊走全球的包容力，同時保有家鄉溫暖的歸屬感。 在他眼中，這座城市充滿韌性，人們在密集的步調中總能找到微小而真實的快樂。他的作品帶着一份務實的樂觀，鼓勵受眾在不完美的現實中發掘生活的美好。他專注於呈現香港細致、具有層次感的一面，把老舊建築的瓷磚紋理、竹棚間灑落的光影，轉化為服裝上耐人尋味的工藝細節，展示出香港獨有的文化底蘊。 112 mountainyam 最新 2027 春夏系列名為「The Joy of Feathers」，將創作視角投向香港這座外表高度秩序化、內裏蘊藏着爆發力的城市。當全球時尚趨勢在後數位時代尋求精神療癒時，「多巴胺」成為一種宣洩情緒的手段。Mountain 筆下的香港多巴胺，具備本地專屬的色彩系統：公屋牆面經歷歲月沉澱後的飽和色塊、午夜霓虹映照於雨後路面的倒影，以及九龍公園百鳥居內熱帶鳥類的羽毛色澤。 2027 春夏系列的精髓在於標誌性的雙面可穿設計，服裝的一面採用棉、麻、竹纖維混紡等天然環保物料，展現手作染藝的溫潤感；另一面選用回收尼龍、防撕裂布料與科技塗層織物，賦予服裝抵禦都市氣候的功能性。Mountain 透過植物染、葉材拓印以及中國傳統藍染與薯莨工藝，將天然紋理留在布料上。搭配百褶、夾棉縫紉與邊緣抽鬚細節，呈現出如羽毛層疊般的豐富肌理。彩色的螢光細節被收納於風衣內裏、翻領邊緣或口袋內側，穿著者可以根據當下的心情決定展現哪一面——這種收放自如的設計，亦映射了香港這座城市的內斂與熱情。 專訪 112 mountainyam 創意總監 Mountain Yam： VOGUE HK：從「MOMENTS IN MOTION」系列到展覽「FASHION TO RECONNECT」對煙火瞬間的描繪，你的作品總帶有樂觀與生命力，即使討論脆弱或失落，也不會流於沉重。這是否反映了你看待世界的方式？ Mountain Yam：我覺得這一切，源於我眼中看到的香港。這座城市很堅韌——我們經歷了很多，但我們從不停步。我們持續前行、不斷適應，繼續在小事中尋找快樂。這並不是去忽視艱難的部分，而是選擇專注於那些支撐我們走下去的事物。當我在設計時，我會想到那些穿我衣服的人：他們努力工作，面對挑戰時依然會笑，下班後與朋友聚會，漫步於城市中並留意到老建築上的光影。那些細小的瞬間既真實，又值得慶祝。所以沒錯，我認為我的作品是樂觀的，但這不是盲目的樂觀，它是源於明知事物並不完美，卻依然選擇去發現美的那種樂觀。這就是香港，這就是我的設計。 VOGUE HK：你熱愛在世界各地冒險，但品牌同時注重香港本地生產與社區。這種「世界漂泊」與「扎根香港」的對比，如何塑造了你筆下現代女性「尋找真實自我」的面貌？ Mountain Yam：我經常遊歷世界——紐約、巴黎、倫敦、東京，還有中國不同的城市。每一次旅程，我都看到新事物、新的穿著方式、新的人生態度。但最奇妙的是，每當飛機降落在香港，那股熟悉的強大氣場總會瞬間將我包圍——那種活力、那種高密度，以及那種即使處於混沌卻依然有序運轉的節奏，那才是我心底的「家」。 對我來說，尋找真實自我，並非要在「全球」與「本地」之間做選擇，而是知道甚麼是屬於你自己的，並將其他一切融入其中。我筆下的現代女性，從不會被單一地方所定義，她穿梭於不同文化、語言與城市之間，但她清楚自己來自何方。這就是我一直試圖捕捉的平衡——適合任何地方穿著，卻始終帶着一份家的感覺。香港對我來說就是那個家，這體現在細節、面料，以及我們在這裏製作的方式之中。 VOGUE HK：Fashion Hong Kong 讓世界看見香港創意。你希望國際受眾透過 112 mountainyam，看見香港怎樣的一面？ Mountain Yam：我期望國際受眾看見的香港，遠超乎大眾印象中那種急促、飽和的快節奏。這座城市擁有深厚的底蘊。當你漫步於看似平凡的建築群間，只要願意駐足細觀，你會看見舊瓷磚、鐵藝，以及光線透過竹棚灑落的方式。這裏處處流淌着工藝、歷史與匠心，只需將步伐放緩，這些美好便會自然浮現。透過 112 mountainyam，我想讓人們看見香港的那一面——寧靜的那一面，不張揚的那一面。我的服裝亦然，外觀看似低調，細看之下卻藏着滿滿的細節。這才是我所認識的香港。它超越了繁華的天際線，更存在於那些微小細節裏，那些藏於接縫中的故事。

112 mountainyam

Z I D I 創意總監 Nathan Moy 的創作過程，彷彿在疾馳的城市邊緣推開了一扇神秘的木門。他以嚴謹的剪裁與大膽的解構主義，重塑大眾對於性別、權力與社會身份的既定想像。品牌創立的兩年間，Nathan 在創作上持續進化，從對虛實錯置、身份流動與倫理語境的提問，轉向對個體微觀感知的重構。不對稱、歪斜、扭曲——重寫了服裝存在的邏輯。憑藉再生物料與高級剪裁的融合，品牌於 REDRESS Design Award 奪得 Hong Kong Best Award，體現出 Nathan 對時裝產業倫理與價值體系的深層反思。 Nathan 對於時裝的理解，從不妥協於螢幕時代的圖像化傳播。在數位意識充斥日常的當下，他敏銳地意識到時裝作為實體媒介不可替代的價值：布料與肌膚接觸時的溫度、物料在手底下產生的阻力，以及體量失衡時迫使身體重新校準姿勢的微妙過程。這些實體世界中的博弈與摩擦，正是數位世界無法演算與複製的真實生命體驗。 來到全新 2027 春夏系列「AETHER」，他將這份對感官摩擦力的堅持，轉化為對「輕盈」與「重力」的結構性探索。從芭蕾舞者對抗重力的水平裙撐，到被重塑為堅硬圓盤的裙裝，Nathan 抽離了這些服飾原本所附帶的身份標籤與年齡隱喻，讓布料與線條純粹地回歸到幾何形態與動態美感。經由可生物降解熱塑性塑料，身體周圍呈現出如微風拂過般的自然波浪，搭配鴕鳥羽毛與蒙古毛皮在步履交替間所創造出截然不同的震盪，賦予服裝律動感。 他將自身的藝術素養融會貫通為個人極具標誌性的設計語言，服裝上那些粗糙的接縫與懸浮的裁片，超越了視覺層面的叛逆與張揚，轉而成為極具包容力、呼應着當代人碎片化心境的情感語法。其筆下的服裝，是一處能讓個體安心卸下社會表演、靜靜探索內在的精神空間。在這座步調極快的城市，這種能讓身心負擔鬆弛的感受，成為一種彌足珍貴的多巴胺節奏。 專訪 Z I D I 創意總監 Nathan Moy： VOGUE HK：你在虛擬與實體時尚之間進行了許多實驗，在擁抱數位技術的同時，你認為有哪些「不可被數位化」的真實價值，是身為設計師必須守護的？ Nathan Moy：科技是拓展可能性的絕佳工具，但它永遠無法取代實體世界中不可磨滅的摩擦力。我拒絕數位化的是身體與物質之間私密的博弈——例如面料在手下的抗拒或順從、皮革貼近肌膚的溫度，或是微小的不平衡感促使穿著者重新調整其姿態。這些都不是細節，而是讓一件衣服不再只是圖像、進而轉化為一種體驗的先決條件。 我也守護「不透明」的權利。在一個要求持續曝光和清晰易懂的文化中，我相信設計師仍必須創造出無法被完全解釋、完全呈現或完全優化的事物。情節的轉折並非行銷手段，而是拒絕變得完全透明的態度。某些真相只有當衣物被穿著、隨之舞動並共同生活一段時間後才會顯露。那種緩慢而私密的展現過程是無法數位化的，我會永遠為此而戰。 VOGUE HK：Z I D I 的作品往往模糊了性別與功能的界線。在過去，時裝是展示身份的「護照」，但在你筆下，服裝更像是具備流動性的「媒介」。這是否意味着 Z I D I 試圖打破傳統社會身份的束縛，讓穿著者回歸純粹的「內在探索」？ Nathan Moy：我並不認為 Z I D I 是在拆解社會身份，而是讓它們變成一種「選配」。歷來，服裝往往充當護照的功能——一張宣告你在特定場合被允許成為誰的證明。真正讓我感興趣的是當服裝轉化為一種「媒介」：它不作宣告，而是賦予可能。 模糊性別與功能性首先並非政治宣言，而是務實的考量。當一件衣服不再需要傳遞特定的類別訊號時，它就能自由地服務於更私密的用途——改變穿著者佔據空間的方式、在人群中穿梭的姿態，以及與自身重量的關係。從這個意義上說，這確實是一份邁向內在探索的邀請。但這並非要求拋棄身份，而是單純地意識到，身份並不需要透過服裝來不斷表演。有時候，最激進的舉動就是穿上一件不為你發聲的衣服，好讓你能更清晰地聆聽自己的心聲。 VOGUE HK：呼應 CENTRESTAGE「Rhythm of the Heart」的主題，當我們剝離了性別標籤、社會階級與實體束縛，你認為 Z I D I 所代表的「心跳律動」，應該呈現出甚麼樣貌？ Nathan Moy：如果你剝離標籤、階級與身體束縛，剩下的並不是更響亮的心跳，而是一個更寧靜的心跳。 對我而言，Z I D I 所承載的節奏是表演結束後的那一刻——那不再為觀眾屏住的呼吸。當衣物的份量被允許橫向而非向下延伸時、當衣擺的拉動非因需要而是出自選擇時、當結構不再對抗重力而是與之協調時。 它看起來像是決定漂浮的重量。聽起來像是內心某種事物悄然解鎖的輕敲聲。不是勝利，亦非作為壯觀場面的解放。僅僅是一種平靜、甚至帶着些許傲慢的篤定，源自於一個人已經停止追逐體制的步伐，並開始以自己的節奏前行。 那就是脈搏。不具戲劇性，亦不具裝飾性，只是純粹的真實。 四位設計師將香港的粗礪與光芒共冶一爐，把流行文化原型與個人哲思，轉化為具備論述力的時裝語境。作品在剪裁的張弛之間，印證了香港設計從探索邁向文化自信的嶄新階段，正以最真誠的心跳節奏，將屬於這座城市的獨特光彩，傳遞至世界舞台。